CHAOS

烈火情人是導演路易馬盧(Louis Malle)在1992年的作品，兩大演技派巨星聯手主演，訴說一對父子同時愛上一個神祕女人的故事。Steve(Jeremy Irons飾)是一位政府高官，但卻以家庭為由無心升遷，他井然有序的安逸生活在認識兒子Martin的新女朋友Anna(Juliette Binoche飾)後掀起巨大波瀾，Steve瘋狂愛上Anna，想要占有她並離開結髮多年的妻子Ingrid，兩人依賴著彼此寂寞心靈的空虛，每一次幽會都讓Steve更離不開Anna，他的家庭面臨到巨大挑戰，而四人的生活也將就此發生變化。 「受過傷害的人最危險，因為他們從中生存了下來」，烈火情人看似是探討外遇的故事情節，但是其背後隱藏的卻是一個貌合神離的家庭，多年以來不肯道破的秘密。Anna出現衝擊Steve索然無味的生活，狠狠劃開他多年來有名無實的婚姻，掉入情與慾中萬劫不復的深淵。 Steve原本是一位醫生，但妻子Ingrid發掘他辯論的才華，處心積慮培養丈夫成為受人景仰的政要高官，間接導致這場婚姻破裂的初始，故事中不斷暗示Steve缺乏事業野心，深覺妻子無法觸及他內心深處渴求的慾望與需求，兩人相敬如冰、彼此禮讓，諷刺中產階級空洞寂寞的生活。因此Anna出現打亂原本平靜的生活模式，讓Steve開始思考愛情的定義與真理，也重新檢視自己與Ingrid共同建立的家庭。他在Anna身上看到一股危險幟熱的氣息而身陷其中，然而，當Steve向Anna表明他願意拋棄一切投入這段不倫戀情，Anna卻平靜地對Steve說他已經擁有了她的一切，為什麼還要在乎實質名分呢？ 如果Steve選擇離開Ingrid，他與Anna就真的能過著幸福快樂的生活嗎?在愛情中，得不到的才是最美好的回憶，正因為無法擁有，才會拚命格外珍惜這份情感，當感情變得理所當然時，當初狂妄的熱情將會消退，褪化成平淡無味的生活。Anna明白這一點，因此她不想要任何名分，或被任何人佔有，她是個自由自在、隨心所欲的女子，她需要一個能與她心靈相通的男人，可以相知相惜相守，甚至我們可以說她想要一段痛苦、折磨的柏拉圖式戀情。所以她不需要與Steve之間有任何實質名份，能在每次幽會裡分享彼此生命，就是她最大的滿足。 Anna童年不堪的回憶，間接造成她介入這段父子關係中。Anna曾與Peter有過一段情，導致占有慾極強的哥哥不忍失去妹妹而自殺，暗示亂倫的關係，但最後因為Peter無法給予Anna足夠的自由空間讓兩人分手。因此Anna長大後認識從事新聞行業的Martin，不僅長相神似她自殺過世的哥哥，也能夠給她無拘無束的的共同生活，暗喻Martin填補Anna心中對於哥哥一定程度的依戀與著迷。然而，Anna仍舊無法忘懷她與Peter那段無疾而終的戀情，讓她爾後與占有慾極強的Steve展開椎心刺骨的戀情。 Steve片中透過窗戶看見Anna與兒子共進早餐的畫面，痛苦的蜷縮在飯店床上，這個畫面剛好與《巴黎最後探戈》片尾馬龍白蘭度以跪地之姿倒在陽台上，象徵胎兒再度回到母體的姿勢。法國哲學家巴斯卡說，總有一天，人類會瘋癲到這樣的地步:即冷靜也是另一種形式的瘋癲。這場愛情悲劇不可避免導致四個人的生命改變，平靜的表面背後暗藏早已麻木不仁的心靈，再也無法對真愛做出任何承諾。生命累積的成長經驗決定我們後來的行為和知覺，走到生命盡頭後才會了解真愛並不存在於世界上，因為每個人都是寂寞的個體。貝托魯奇的《巴黎最後探戈》裡講述兩個陌生男女在空屋裡相識、相愛，卻約定不過問彼此在房間以外的人生，兩顆空虛的心靈只在空屋裡得到短暫慰藉，而《烈火情人》同樣是兩個寂寞的男女在屋內相愛，野性般填補彼此失去的情感，但不同於《巴黎最後探戈》，主角清楚認識彼此在屋外的生活，成為一個痛苦椎心的秘密，讓兩人的感情受到更多折磨。

藝術，是文化的根基。中國走過日本入侵、國共內戰、共產主義盛行，直到現在後社會主義席捲全中國，有別於第四代導演提倡傳統倫理美德，風格毅然樸實，經歷過文革大革命的第五代導演在八零年代崛起，為中國電影開起新頁。第五代導演帶進批判、反思，於電影文本裡抨擊中國在歷史洪流留下的傷痛。例如第四代導演謝晉的《芙蓉鎮》提供一個對理想社會安居樂業的完美詮釋，建構出中國人心中理想的烏托邦，而前面鋪陳的動盪也隨著批鬥結束，所有人都回到原先的崗位，輕描淡寫因文革留下的瘡疤。因此第五代導演諸如張藝謀、陳凱歌、田壯壯、吳子牛等人，他們見證過烏托邦理想破滅，於是把焦點轉移至國家民族的集體心理結構反思。利用歷史文化當作素材、在文本裡探討中國人根植於外來民族入侵、國內社會主義高壓統治，導致中國人長期壓抑的傳統美德逐漸沉淪。 張藝謀的電影建構出一個以西方主義為視角映照出的中國民族文化，在國際大放異彩。而陳凱歌執導的《霸王別姬》更是在此達到了巔峰，述說雌雄莫辨的名伶人生中一段性別意識錯亂的悲劇，並以歷史演變作為故事基本架構，以傳統京劇引導出一段戲中戲。 《霸王別姬》小說與電影彼此連結錯縱緊密。李碧華最初為同名電視劇（1981）撰寫劇本，後於1985年改編為小說出版。在製片徐楓力邀下，以探索廣闊高原山陵《黃土地》作為開創中國電影新人文精神的陳凱歌執導。《霸王別姬》裡三位主角的性格塑造格外鮮明，彷彿歷史演變成為他們人生的陪襯，程蝶衣與段小樓在一幕文革批鬥大會裡，看著深愛的小樓在紅衛兵面前不若楚霸王不可一世的氣魄而低頭，他大喊著：「是我們自個一步步走到這個田地裡的。」字字血淚吶喊中讓人婉惜，就算沒有文革出現，故事中的主角也終究必須理清三人剪不斷理還亂的感情，可能也會有相同下場，文革只是故事中的一個現實引爆點。 「不瘋魔、不成活的一代名伶」程蝶衣固執、任性，他不像小樓那麼在意旁人眼光，他不曾動搖過他對深愛的師哥和京劇的信念，這是他這一生中唯一牽掛的兩樣事物。若比喻小樓為凡夫俗子，那麼蝶衣就像不食人間煙火的仙子，與袁四爺比喻的觀世音菩薩有異曲同工之妙。在劇中蝶衣曾對小樓說他們能唱戲出名的原因就是師傅說的「從一而終」，這短短四個字，道盡了程蝶衣的一生，在舞台上，他是楚霸王深愛的虞姬，下了戲，他仍深深愛著小樓飾演的楚霸王，可以說程蝶衣的一生都活在京劇裡。 性別意識錯亂，是程蝶衣角色的重點，也是這齣戲主要傳達的概念。母親為將她送入戲班，砍去第六根手指頭，這裡是性別混淆的開端，隱含去勢的意味。後來面對小石頭百般照顧，從小沒有父親疼愛的小豆子便將情感轉移到師哥身上，後來蝶衣誤將〈思凡〉戲詞唱：「我本是男兒郎，又不是女嬌娥」，到此意味著蝶衣仍能分辨自己的性別意識，他本能地否認自己為女嬌娥，但事後因小樓為幫他解圍，把煙管擣入口中，於此，蝶衣不再唱錯戲詞，他開始混淆戲劇與現實，逐步達到不瘋魔、不成活的境界。他的同性慾望和行為存在於霸王別姬這齣戲的幻覺空間裡，延伸出他與段小樓虛幻與現實的交錯愛慕，爾後菊仙出現打破了蝶衣的幻覺空間，讓蝶衣轉向袁四爺的懷抱，他堅持要袁四爺打扮成楚霸王後才能進入自己的同性戀角色，顯示出蝶衣的戲夢人生。 蝶衣他忌妒菊仙與小樓夫妻之情，但「黃天霸與妓女的戲，他不會演，因為師父沒有教過。」所以面對菊仙與小樓的感情，礙於自己的身分，他無法介入，也無能為力改變，只能如劇中看著兩人在破四舊的房間裡親熱，當個沉痛的過客，在這齣戲中沒有蝶衣的角色，在現實中也沒有他的容身之地。 隨著時代推移，蝶衣固執的個性沒有隨著當政者不同而改變。他可以為懂戲的青木唱一段《貴妃醉酒》，也可以因為台下鼓譟放肆斷然離去，即使是文革裡批鬥也不曾低頭，臉上的妝始終沒花過。椎心的是，他堅持了一輩子的愛，卻不曾得到回報過，片尾最後他與小樓在體育館排戲，小樓故意唱錯《思凡》一詞作弄蝶衣，蝶衣意識過後輕聲一笑，重複了一次「我本是男兒郎，又不是女嬌娥」，這裡意味著蝶衣終於認清到自己的性別錯亂，他意識到自己的男兒生，於是從建構的虛幻戲中理出現實面，才在最後拔劍自刎，結束他悲劇的一生。 「戲子無義」其實段小樓比起蝶衣，有更多內在與外在行為可以闡述。因為蝶衣的個性簡單易暸，但是小樓從開始不可一世的西楚霸王，最後只剩下一匹馬與一位妻妾，到了片尾，更只剩下一個人孤苦無依活著，獨自面對漢軍包圍。陳凱歌曾經提到，他心中的段小樓並非力拔山兮氣蓋世那般英勇威武，他想要塑造一個平凡人，在舞台上他是一代霸王，但舞台下他卻只想尋花問柳，就像平凡人般生活。因此電影裡，他可以為了菊仙放棄唱戲、去街頭賣西瓜，在文革批鬥中更向紅衛兵低頭招供，證明他並沒有活在戲中，隨時可以抽身，毫不眷戀自己的霸王角色。 身為故事中象徵男性霸權的主要角色，我認為段小樓並非不明白蝶衣的心意，只是在那個封閉保守的年代裡，以段小樓如此在意旁人眼光的個性，他怎麼敢抑或怎麼能向蝶衣表達愛意，因此上花滿樓可以解讀為他想逃避和壓抑內心對於同性之情的恐懼和躊躇，他無法如同執著的蝶衣一昧追求自己渴求的一切，所以只好藉著女色逃避他心中不敢承認的情感。電影中他與菊仙的結合，一開始是替她解圍，段小樓並沒有任何逾越之情，且當後來菊仙主動向小樓表達愛意，是在眾目睽睽下發生，有如此絕色美女送上門，小樓便在半推半就下答應取菊仙，造成後面一連串遺憾。 片尾最後他故意作弄蝶衣唱錯思凡唱詞，我認為也可以解釋成他知道蝶衣的身分錯亂，因此唸出那一段詞，也許他認為經過文革批鬥兩人已經很久沒一起唱戲，蝶衣應早已走出戲中虞姬的角色，因此才半開玩笑道破，但卻沒料到蝶衣仍舊活在自己的戲曲裡，從一而終。電影文本強調兩人愛慕無法逾越之情，卻弱化了時代環境裡塑造的社會風氣，若將保守的傳統社會考量進去，則小樓對蝶衣的關心與關懷其實是一種隱晦的曖昧表徵。 「婊子無情」菊仙基本上跳脫中國電影傳統女性美德的表徵，但菊仙決不願做一輩子的青樓女子，贖了身把籌碼全押在段小樓身上，可見其勇敢果決。菊仙出身妓院，在中國傳統價值觀裡，女性與階級定位密不可分，往往被認為是舊社會的最底層，何況菊仙又是一名妓女，因此當他看到段小樓在舞台上不可一世的霸氣，他看到了自己未來的希望。 時代更迭中菊仙常用聰明機智維護小樓，但段小樓的一半是屬於蝶衣的，她無法完全擁有小樓，也因此帶出菊仙與蝶衣之間彼此競爭之情。李碧華的原著中其實主要著墨在蝶衣與小樓之間的情感，但電影裡卻把菊仙的戲分加重，讓菊仙和蝶衣有更多互動。蝶衣始終對菊仙沒有好感，在劇中菊仙為蝶衣披上披風一幕，說明菊仙其實可以理解蝶衣的心情，畢竟他們在感情世界裡執著不悔的性格是極為相像的，但一山豈能容下二虎，最後勝出的只能有一個，蝶衣一句：「謝菊仙小姐」，而後轉身把披風用肩膀把披風抖落，說明他們兩個彼此競爭的情敵，就像天和地永遠無法相容。 文革一場批鬥，改變了這場三角關係。最後壓垮最後菊仙的不是情敵程蝶衣，而是自己一生的摯愛段小樓。段小樓在紅衛兵威脅之下，情緒激動說自己不愛菊仙，與他劃清界線。這讓菊仙多年堅守的信念從此瓦解，最終，她穿著大紅嫁衣上吊自殺，就此謝幕。 霸王別姬裡主角唱戲的舞台，不管外頭動亂有多嚴重，舞台和街道永遠亙古不變，屹立不搖。傳統京劇在電影文本中也隨著時代變遷，一度被禁止、鄙視，甚至被形容成牛鬼蛇神，但是最終仍會回到本位，繼續象徵中國的廣闊精深文化，同時也意味第五代導演對傳統社會某種程度的依戀，非全盤否定舊文化，試圖在國際裡找到傳統中國的新定位。李碧華的原著改編後，其中最大的不同在於陳凱歌加進對歷史的控訴、加重菊仙的戲份和對結局改編。小說比較著重於蝶衣與小樓情愫互動累積發展，但在電影中加重菊仙與蝶衣競爭之副線，更添戲劇衝突。至於小說中的結局是兩人多年後在香港再度重逢，彼此經過下鄉勞改，時間早沖淡當年鬥爭留下的瘡疤，而電影裡他們於體育館裡再次排練，蝶衣最終認清自己的性別（或人生）而拔劍，兩者相比，電影的結局帶有些許遺憾，不若傳統中國電影的圓滿團圓。

本片描述浮世繪大師東洲齋寫樂的傳奇故事。 進入江戶時代前，由群雄紛爭演變成日本空前的戰國局面，1615年，德川家康統一天下受封為將軍，將首都東遷至江戶(現今的東京)，而因德川幕府的駐地，居民變多，進而帶動經濟繁榮崛起，強大的經濟實力發展出了歌舞昇平的繁華景象。浮世繪放肆、大膽的作風，投一般庶民所好，不必肩負任何教條及忠孝節義的約束，充分反映出當時民眾的生活情形和城市樣貌，甚至出現所謂春宮圖，藉以表達床第之間的樂趣。於是戲劇與美術便成為上至王公貴族，下至市井小民的休閒娛樂。 十八世紀末期的江戶城，經濟富庶加上「人生如夢即時享樂」的哲學，所以才華洋溢的藝術家都紛紛投入「浮世美人繪」的陣容。美人繪的主角以藝妓與歌舞劇演員為主，不再是身處深閨的神秘女子，藉由一幅幅浮世繪讓他們真實呈現在市井小民的眼前。 本片便是描述寫樂的傳奇一生。東洲齋寫樂(活躍於1794~1975)以役者繪在歷史留下美名，寫樂的出現至今仍為謎團，無人知曉。役者繪指歌舞伎演員之木刻版畫，寫樂以誇張的手法和簡化的筆觸刻畫出名演員們的臉部特徵，並採取雲母粉片做成粉版的創作方式，使浮世繪的表現方法，另開新境。二十餘年來，因著作品稀少和藝術性高，所以在國際浮世繪拍賣的價格早已凌越歌麿而躍居首位，真是不可捉摸的行情與身世。由真田廣之所飾演的寫樂，可看出其懷才不遇進而誤打誤撞成為一代大師其中的掙扎和痛苦，穿插與一位歌伎間的愛情故事，是日本方面動用許多資金考察多方歷史後所完成的傳記電影。一心一意想成為歌舞伎演員的寫樂於一次表演中傷了腳，因此被街上賣藝的流動劇團相中，成為他們的一份子。 此外值得一提的是，片中常出現與寫樂作對的畫師喜多川歌麿（1753～1806），比起寫樂，喜多川留下的歷史資料較多也較明確。他使美人畫的創作步入黃金時代的顛峰，擅長人性為出發點，描繪在江戶城內中下階層的各種美貌女子，充滿人性關懷，喜歡觀察歡場女子的苦樂辛酸，易引起大眾共鳴。他的作品常有半身像和局部特寫，將焦點集中在人物表情上，更能捕捉情韻神態。著名的作品《當時三美人》，亦即寬政年東京交際花中的前三名，而《青樓十二時》裏分別代表每一時辰的江戶十二名妓，成為巷弄茶餘飯後的話題，更成為傳世代表作，這些美人華麗的服飾都是選用特殊顏料以及上好紙張多色套印，灑以發亮的雲母石細粉繪製而成。 一位是孤僻陰鬱的失意畫家，一位是得天獨厚的權貴大師，兩人的命運卻同時交錯在一名歌伎的身上，編織出浮世繪史上最動人的篇章。也許東洲齋從來不想成為畫家，也不想要出名，他只希望成為一名藝術家，他沉悶的個性給了他觀察的天賦，他雖然失去了在舞台上發光發熱的機會，但他將對戲劇的熱情轉化到紙上，才能畫出流傳千古的役者繪，甚至影響後來的法國印象派畫家。

《不死魔咒》(Dorian Gray)改編自英國浪漫主義作家王爾德(Oscar Wilde)的同名長篇小說《格雷的畫像》，若你是衝著王爾德這部遠近馳名的小說慕名而來，那你可能會對這部電影大失所望。但是若你還沒看過原作或不介意跳脫原作框架的故事，這部翻拍的電影絕對屬於上乘之作。 王爾德是十九世紀的英國大文豪，身兼劇作家、小說家，甚至還出版許多短篇的故事集，童話故事快樂王子即是他膾炙人口的作品。其所撰寫的長篇劇本多描述當時上流社會發生的情愛糾葛、掙扎，配合機智詼諧的對白，常常上一句挖苦上層階級人士惺惺作態的模樣，卻又筆鋒一轉，狠狠抨擊英國社會的故步自封。而Dorian gray是王爾德唯一的長篇小說，描述一位繼承豐厚財產的富家子弟Dorian gray面對青春和美貌之間徘迴不已，進而沉淪的痛苦過程。 正值青春年少的Dorian gray擁有令人羨慕的完美臉蛋，俊俏的輪廓中藏著純真、善良的潔白之驅，而畫家Basil初見Dorian便被其驚人的臉蛋懾服，且為之著迷瘋狂。在Basil替Dorian畫一幅栩栩如生的側畫像過程中，在一旁的Henry老爺卻認為畫像可以永恆，但人的美貌卻會隨著時間衰老。接著逐步進入社交圈的Dorian遇見一位十七歲女演員Sibyl與之墜入愛河，打算跟Sibyl共度終生。但最終Dorian開始懷疑眼前的Sibyl是否為他心中最初完美又神聖的形象，因此他離開了Sibyl，傷心欲絕的Sibyl投湖自盡結束這段關係。得知噩耗的Dorian悲慟不已，開始夜夜笙歌。令人訝異的是，隨著Dorian越沉淪、越罪惡，畫像裡映照的完美形象卻開始變形、變醜。Dorian的生活開始失控，他用盡全力保護這幅畫，深怕這個秘密會被發現，卻阻止不了畫像裡的他繼續腐敗與沉淪。 王爾德小說中的人物總是充滿對人性困惑、迷惘甚至掙扎，深怕人生停滯不前卻又無可避免捲入謎樣的事件裡，跟希區考克電影裡詹姆士史都華在後窗和迷魂記的角色如出一轍，在平淡的人生裡因為突發事件而造成無可挽回的軒然大波。而這部改編的電影理論上在形塑Dorian Gray這個角色是失敗的，因為王爾德筆下的Dorian其實是暗示一個性別意識錯亂的過程，而畫像就像一面鏡子，反射出他不願面對的內心掙扎。王爾德毫不掩飾寫出Dorian被Basil啟蒙性向，接著再愛上扮演莎翁劇裡男性角色的Sibyl，意味其性傾向導致其人生發生變化，他正在處於一個渾沌階段，不明白要如何認清自己的定位，才會導致他逐步發狂想要保護那幅畫像不被人發現，至於把畫像鎖在房間象徵他性別意識的真相，因此當Basil走進房間堅持看那幅畫，意味巴席爾發現Dorian的性傾向，企圖挖掘出他長久堅守的秘密。但電影裡這部分被拿掉了，電影裡的Dorian變成一個把靈魂交換給撒旦，換取永生青春的縱慾者，不是因為罪惡感而沉淪墮落，存粹只是為享樂而歡愉，不再有那股罪惡、迷惘的迷人氣息，完全扭曲王爾德原作的本意。 雖然編劇拿掉原作最引人入勝的特質，也少了文學氣息鋪陳，但是我覺得改編出另一部不落俗套的商業電影。刻意利用畫像作為貫穿電影的著墨點，增加鬼魅般迷幻氣息，讓維多利亞背景時代顯得更奢華謎樣。編劇弱化Sibyl間接影響Dorian的同性戀情節，反而強調Colin Forth扮演的Henry成為對Dorian墮落的推手，把Henry形塑成一個亦正亦邪的旁觀者，並且也是貫穿全片的關鍵人物。後期編劇更添加原作沒有的劇情，Henry女兒出現不僅象徵新的工業時代來臨，對比出隨著時代推移當Henry等人都以年華老去但Dorian的容貌卻一往如昔，說明這場Dorian無法掌控自己命運的悲劇收場。 飾演Dorian Gray的Ben Barnes表現可圈可點，成功詮釋青年時期純潔無瑕的美少年和墮落後的縱慾者。至於片中最大亮點絕對是Colin Forth扮演的Henry老爺，編劇將他化身成王爾德筆下妙語如珠的角色，散發濃厚的紳士氣息。整體而言，《不死魔咒》就商業片來說劇情相當引人入勝，具備謎團、驚悚、愛情等元素融為一體，但也喪失了原作對同性情結的描繪與鋪陳，是相當可惜的一點。

 對我而言，這世上只有兩個導演不會讓我失望，第一個是荷蘭籍拍過多部好萊塢大片的Paul Verhoeven，諸如魔鬼總動員、機器戰警此類型的動作片，或是驚悚如第六感追緝令，甚至連他評價與票房都奇差無比的美國舞孃，在我心中絕對是經典大作。Paul Verhoeven描述性、犯罪、慾望總是拿捏恰到好處，取得一個絕佳的平衡點。而另外一個導演就是同樣也探討性與慾望沉淪的Francois Ozon，這位來自法國被譽為楚浮(Francois Truffaut)接班人的鬼才導演題材涉略廣泛，也相當多產。在ozon的電影語言中，充滿著情感關係中那股危險、罪惡的氣味，用簡單的鏡頭建構出一個看似常發生在你我周遭的故事，真實到令人懼怕，卻只能束手無策。ozon喜歡留給觀眾思考空間，他的鏡頭語言很簡單樸實，卻能譜出一段非常複雜的交響樂曲，而他只會呈現給你當中的一小段，因為必須要靠觀眾自己才能摸索出另外的章節。他也不會對劇中人物做出強烈道德批判，劃分出誰是好人誰是壞人，讓觀眾自己選邊站從而去攻擊邪惡面。

美麗誘惑，Ozon在這部電影中仍然維持一貫的風格:用最簡單的故事說出一個最複雜的人生。這部電影描述一個17歲少女Isabelle，在放假時與德國男孩初嘗禁果，學校開學後，她開始背著母親與中年男子進行援交，直到一位常來找他的老翁不幸在激情中暴斃，讓一切曝了光，警方通知Isabelle的母親，也使得這對母女重新檢視彼此的關係。 

17歲，正值青春年華的時候，對Isabelle而言，這是她成長過程中最美麗也最迷失的一個篇章。Ozon在這部電影裡記錄伊莎貝爾17歲這一年發生的故事，利用春夏秋冬四個季節作為影片時間切割點，使得電影更精簡，也可省略冗言贅字。許多電影探討這類少女援交或第一次性經驗都會以事件如何影響主角為內容，強調事件帶給角色的衝擊性，往往拖長電影的時間，也會變得很冗長，到最後不知所云。但是因為ozon採用季節將時間分割，第一次性經驗、援交、事情爆發、與Felix相愛，讓節奏更輕快。我們從電影中看到Isabelle如何從事件中學習成長，學會如何用真心去愛一個人，影片想要表達的母題即是圍繞這位少女如何找到自我的價值觀，從中修補她心靈缺憾。

導演想要提出的觀點，即是家庭。青少年成長過程中，家庭給予其價值觀將會影響個人未來發展。從伊莎貝爾援交事件爆發後，我們沒有看到伊莎貝爾如何被懲罰，而是看到伊莎貝爾的母親心力交瘁想要找出原因。片中點出Isabelle家境小康，不缺乏金錢，援交賺來的錢她也仔細保存，並沒有拿去買名牌包包，崇拜物質生活。與心理醫生進行療程中，醫生提到一點，Isabelle名單裡的尋芳客是否都為年長男子，Isabelle媽媽表示她在Isabelle十歲時離婚，分手時錢算得清清楚楚。但是當醫生詢問Isabelle時，她卻避而不談，不願正視父母親之間情感糾葛與自己的父女關係。從這裡我們可以看出Isabelle內心缺憾，最需要父親的青春歲月，卻沒有親生爸爸在身邊看著她成長，只有年幼弟弟在身邊作伴。這是導致Isabelle始終懼怕男性的因素，她不知道如何與男性相處，卻又渴望體驗性的美好。在與德國男孩發生關係後，她避而不見，因為她不知道如何去面對這段情愫，也因為Isabelle並沒有在他身上體驗到相愛之下甜美的性經驗。

Isabelle學不會如何去愛人或被愛，而上網援交成為她找到宣洩管道的避風港。在飯店房間裡，她不必理會眼前男子的真實身分，Isabelle成為一個物品被男性凝視著，滿足這些欲求不滿的尋芳客，而不用過問彼此短暫交會的人生。因此當她在音樂劇場合再次遇見Georges，這規則便被打破，破壞Isabelle仔細隱藏的雙重生活。其中耐人尋味的是，最後一次Isabelle與Georges在飯店翻雲覆雨前的對話。Georges問Isabelle與她爸爸相處如何，Isabelle表示沒什麼好說的，就是爸爸。這兩人彼此修補了在家庭中所遺失的連結，無形中圓滿兩人所缺乏的情感關係。

2014年奧斯卡頒獎典禮剛剛落幕

馬修麥康納以藥命俱樂部裡精湛詮釋愛滋病患拿下影帝

伍迪艾倫執導的藍色茉莉女主角凱特布蘭琪也不負重望拿下影后 

最佳影片則由自由之心拿下

講述美國南方殘忍的蓄奴事件

紅高粱原為中國諾貝爾獎得主莫言的短篇小說作品，收錄在紅高粱家族中，當年張藝謀看完後深受感動將之改編成電影，也因此大放異彩獲得柏林影展金熊獎，從此開啟張藝謀電影之門。

莫言在其小說裡描寫的高粱地採取片段式回憶，以游擊戰作為文章基底結構，一頁一頁帶出余司令與戴鳳蓮的情愛故事。莫言善於用文字描繪嗅覺、視覺，詞藻華麗卻不流於俗豔，建構出高粱地裡的情仇愛恨。令人驚嘆的是莫言寫作功力之深厚，篇章中不斷用紅綠兩色描寫高粱土地沾滿腥風血雨的情愛鬥爭，僅僅用簡單的文字卻創造出無垠的廣闊邊際，令人印象深刻。此外，作者採用第三人稱敘述故事，以旁觀者的角度敘說老一輩在日本入侵下勇敢堅毅的抗爭過程，字裡行間透露對父親、奶奶(戴鳳蓮)的崇拜，彷彿渴求自己能坐上時光機回到當年的壯烈一戰。而張藝謀的電影版本對此做了極大改編。張藝謀把主線拉回戴鳳蓮，一個北方姑娘在高粱地尋求自我解放，渴求脫離封建社會下發生的愛情故事。

戴鳳蓮(鞏俐飾)，她代表解放女性的新思潮，敢愛敢恨、勇敢堅決，凸顯在那個時代的難能可貴。堅毅的外表卻住著一顆浪漫多情，渴望有男人保護的少女心。因為傳統社會的封建思想，被迫嫁給一位痲瘋病患，也是因為這段過程，她才得以見到一生的最愛余司令，體驗真正的戀愛，從女孩蛻變成女人，更成為當地口中傳唱的抗日英雄。

戰爭無情無奈，與無邊際的高粱地相互輝映，一片艷紅的淨土上演一幕幕愛恨交織、國破家亡的畫面， 卻不知何時謝幕。片頭一段精彩抬轎片段，營造出戴鳳蓮出嫁緊張忐忑的心情。從轎子裡偷看面抬轎男人充滿野性壯碩的銅體，說明身為戴鳳蓮對性的渴望，並藉由特寫腳這一段充滿性暗示的特寫，讓戴鳳蓮與余占鰲初次接觸，也揭開這段高粱地的腥風血雨。婚姻，是兩個人愛情的結合，但其中往往參雜兩個家庭角力鬥爭。在中國傳統封建社會裡，家庭更是主要因素，古代女性無法獨立自主選擇自己縮愛，也因此許多悲戚壯烈的愛情故事流傳千古，如今仍百聽不厭。在電影中，余占鰲與戴鳳蓮看對眼後，彼此情投意合但礙於戴鳳蓮身為有夫之婦無法踰矩，因此個性灑脫不羈的余占鰲便殺了戴鳳蓮的痲瘋丈夫，象徵戴鳳蓮從傳統社會中解放，回到女性獨立自主的地位，因此從一開始被窯裡工人歧視到後來她挺身而出領導家中事務，說明戴鳳蓮骨子裡不凡之氣。

然而，雖然辛苦撐起一家之計，但她仍然需要男人的陪伴，而余占鰲正好填補這段空缺。余占鰲是觸動戴鳳蓮愛情故事的第一根稻草，同時也是壓垮他的最後一根。余占鰲象徵的是女性世界裡終極的理想男性，他可以熱烈追求女主角，散發所有雄性賀爾蒙讓女主角臣服於他之下，同時也能夠一語不發默默守候著她，靜靜的、遠遠的支持並保護她。飾演余占鰲的姜文表演到位，他成功利用肢體語言，在對白不多的電影裡把余占鰲那股傲然之氣詮釋得入木三分，既不過份矯情，也不會讓人摸不著余占鰲的內心世界。

今天要來分享的是我很喜歡的HOLLYWOOD男星John cusack

個人檔案:

姓名: John Paul Cusack

生日: 1966/6/28 (四十六歲)

約翰庫薩克接演的電影類型很廣泛